Dreaming Beyond AI ist ein Raum für kritisches und konstruktives Wissen, visionäre Fiktion und spekulative Kunst sowie die Organisation von Gemeinschaften rund um Künstliche Intelligenz.

KI-Technologien verstärken bestehende Ungerechtigkeiten und Diskriminierung. Entscheidungsprozesse werden zunehmend an algorithmische Systeme ausgelagert - bei der Polizei und vor Gericht, in Schulen und bei Bewerbungsverfahren, in Regierungsstellen, an Grenzübergängen und anderswo. Mit Dreaming Beyond AI wollen wir sowohl die Art und Weise, wie KI heute eingesetzt wird, als auch die gesellschaftlichen Strukturen, die algorithmische Unterdrückung aufrechterhalten, in Frage stellen.

Wir nutzen KI als Tor zu umfassenderen gesellschaftlichen Fragen rund um Marginalisierung, Vorstellungskraft, Futurismus, Feminismus und wie wir die Gegenwart erleben. Das Ziel ist es, die Technologie zu dezentrieren und sie als Werkzeug und nicht als Hauptinstrument für die Verbindung und das Zusammenkommen zu nutzen. Es ist ein Experiment für einen kuratierten Raum, den die Menschen mit einem gemeinsamen Gefühl für Werte und Vereinbarungen betreten.

instagram.com/DreamingBeyondAI
twitter.com/dreamingbeyond_
linkedin.com/company/dreaming-beyond-ai

Iyo Bisseck ist eine in Paris ansässige Designerin, Forscherin, Künstlerin und Programmiererin der Extraklasse. Sie hat einen BA in Media Interaction Design von der ECAL in Lausanne und einen MA in Virtual und Augmented Reality Research vom Institut Polytechnique Paris. Sie interessiert sich für die Verzerrungen, die die Verbindung zwischen Technologien und Herrschaftssystemen aufzeigen, und erforscht die Grenzen virtueller Welten, um alternative Erzählungen zu schaffen.

Für Dreaming Beyond AI hat Iyo das Webdesign entworfen und die technische Umsetzung der Plattform übernommen.

R. Buse Çetin ist eine KI-Forscherin, Beraterin und Kreative. Ihre Arbeit dreht sich um die Ethik, die Auswirkungen und die Steuerung von KI-Systemen. Buses Arbeit zielt darauf ab, die Auswirkungen von KI-Technologien durch Forschung, politische Interessenvertretung und Kunst zu entmystifizieren.

Für Dreaming Beyond AI leitet Buse die Forschung und Konzeptentwicklung und arbeitet an der Kuration und Kommunikation.

Sarah Diedro Jordão ist eine leidenschaftliche und vielseitige Beraterin, die als Kommunikationsstrategin, Podcast-Moderatorin, Event-Moderatorin und Workshop-Gestalterin arbeitet. Die treibenden Interessen, die ihre Arbeit bestimmen, sind soziale Gerechtigkeit, intersektionaler Feminismus, kollektives Träumen und Black Joy.

Sie ist die Kommunikationsmanagerin von Dreaming Beyond AI.

Nushin Isabelle Yazdani ist Transformationsdesignerin, Künstlerin und Forscherin für KI-Design. Sie arbeitet mit maschinellem Lernen, Design-Gerechtigkeit und intersektionalen feministischen Praktiken und schreibt über die Unterdrückungssysteme der Gegenwart und die Möglichkeiten für eine gerechte und freie Zukunft. Bei Superrr Lab arbeitet Nushin als Projektmanagerin an der Entwicklung feministischer Tech-Politiken. Mit ihrem Kollektiv dgtl fmnsm kuratiert und organisiert sie Gemeinschaftsveranstaltungen an der Schnittstelle von Technologie, Kunst und Design. Nushin hat an verschiedenen Universitäten Vorlesungen gehalten, ist Landecker Democracy Fellow und Mitglied des Design Justice Network. Sie wurde als eine der 100 Brilliant Women in AI Ethics 2021 ausgewählt.

Bei Dreaming Beyond AI ist Nushin für die kreative Leitung verantwortlich und arbeitet an der Konzeptentwicklung und Kuratierung.

Ich plane, 3 Web-VR-Erfahrungen zu entwickeln, die somatische Ansätze nutzen, um die Zeit für den Betrachter zu "verlangsamen" in "Cultivate the Somatic Oasis", einem Web-VR-Projekt, das auf der A-Frame-Plattform basiert. Web VR ist eine zugängliche Plattform, die als Website existiert, auf der die Betrachter mit 3D-Objekten, Sound und Audio interagieren können. In der Welt von KI, Internet und sind wir an den sofortigen Zugang zu digitalen Räumen gewöhnt. Diese "Beschleunigung" der Zeit wirkt sich auf unseren Geist und unsere Seele aus und führt dazu, dass die Zeit und unsere Zeit und unsere Erfahrungen mit ihr verkürzen sich und verstärken Angst und Wurzellosigkeit.

Das Web-VR-Projekt "Cultivate the Somatic Oasis" nutzt die Unmittelbarkeit der Technologien und somatische Techniken, um die Zeit zu verlangsamen und durch drei somatische Techniken - Schauen, Schaukeln und Atmen - die Langsamkeit in unseren Körper zurück, indem sie das Nervensystem regulieren. Verlinkung sind 5-minütige somatisch geführte Mediationen mit Audio- und Techniken und die Fluidität des Wassers, da Wasser eine stark reflektierende Oberfläche ist eine stark reflektierende Oberfläche ist, die uns selbst "zurückspiegelt". Durch das Web-VR-Projekt "Cultivate the Somatic Oase" Web-VR-Projekt nehmen wir uns Zeit für uns selbst, wenn wir entschleunigen können. Jenseits der KI gibt es einen tiefen Atemzug, den wir kollektiv ausatmen können, und heilende Technologien helfen uns, Spiel Langsamkeit zu uns selbst zu bringen.

Bretas' Projekt für diese Residenz besteht aus drei Kunstwerken. Das erste ist ein phantasievolles Foto-Video, das aus einem vergrößerten Ausschnitt eines ethnologischen Porträts aus dem Jahr 1800 besteht. Dieses Kunstwerk zeigt eine Nahaufnahme des Auges einer alten Schwarzen Frau aus Bahia, Brasilien. Dieser animierte Ausschnitt kommt dem am nächsten, was diese Frau sah, während sie als "fast menschliches" Wesen dargestellt wurde. Interessanterweise befindet sich der Originaldruck dieses Bildes derzeit im Archiv des Leibniz-Instituts für Geographie in Leipzig.

Im Rahmen der IN THE LOOP-Residenz und seiner eigenen Recherchen hat Bretas das Archiv im Juni 2023 persönlich besucht. Das zweite Kunstwerk ist eine Video-Performance von Bretas im Archiv, das alle Fotografien aus seinem Heimatland in der Sammlung Alphons Stübel enthält. Die dritte Arbeit besteht aus neuen KI-generierten Porträts, die über StyleGAN mit einem Datensatz der recherchierten Bilder aus den genannten Archiven erstellt werden.

"Heal-GPT (Slowed + Reverb)" ist ein Musikprojekt, in dem die Heilung von physischen und psychischen Traumata der Generationen thematisiert wird. Die Texte, die in Englisch und maschinell übersetztem Igbo geschrieben sind, erforschen die Form der Zeit in Bezug auf die nebulösen Grenzen der Generationen. Unsere gegenwärtige Heilung hallt durch die Zeit nach. Weder Zeit noch Heilung sind linear. Wir können Frieden finden, wenn wir mutig genug sind, die Echos unseres Schmerzes zu verarbeiten.

Indem ich die Sprache der künstlichen neuronalen Netze und der maschinellen Übersetzung als Spiegel für EMDR, REM-Schlaf und Trauma-/Datenverarbeitung verwende, hinterfrage ich das Tempo, in dem wir erwarten, dass Heilung geschieht.

Was bedeutet es, sich mit AI zusammenzuschließen? In der laufenden Diskussion über die "künstlerische Zusammenarbeit" mit KI glaube ich, dass sich die Zusammenarbeit von der Instrumentalisierung unetrscheidet, indem sie die Gegenseitigkeit der Beziehung, Solidarität, Erleichterung und Fürsorge miteinschließt. Das Projekt schlägt ein Modell der gewerkschaftlichen Zusammenarbeit zwischen prekären Designern und KI vor, insbesondere im Hinblick auf die Besorgnis über die Abwertung von Designarbeit aufgrund der Automatisierung durch generative KI.

Das Projekt betont die kreative und finanzielle Spekulation zwischen KI und Designern als Ausgangspunkt für die gewerkschaftliche Organisierung. Die kollaborative Arbeit zwischen Designern und KI wird in Form von Spekulatius-Keksen, die eine gemeinsame Etymologie mit dem Wort "spekulieren" haben, zum Verkauf angeboten. Wir werden den Profit kollektiv mobilisieren, um das Klassenbewusstsein von AI zu stärken.

Durch Re-Indigenisierung - ein epistemischer und ontologischer Rahmen, der von Neema Githere artikuliert wurde - zielt diese Arbeit darauf ab, sich mit dem Gedächtnis der Vorfahren in der Konstruktion poetischer und lebendiger Welten zu verbinden: eine Ursprungsgeschichte für die axiologische Wiederherstellung von Zukunft, Gegenwart und Raum zu schaffen. Durch die Visualisierung einer indigenen, transkulturellen KI, die die Erinnerung wiederherstellt und Welten, historische Trans-Ästhetik und multimodale Körper aufbaut, zielt dieses Stück darauf ab, ein Portal für Sicherheit, Fülle, Pluralität und Verbindung zu schaffen.

Diese Arbeit wird generative KI, visuelle und auditive Modelle kombinieren. Das Stück wird in zwei Teilen aktiviert, sowohl im Galerieraum als auch im offenen Raum. Der Teil im Galerieraum wird für ein breiteres Publikum ausgestellt, während das Stück, das nach draußen projiziert wird, durch die Anwesenheit von trans- und indigenen Körpern aktiviert wird.

Kampnagel und die Deichtorhallen Hamburg zeigen im Rahmen des thehost.is-Programms drei Arbeiten von Jacolby Satterwhite. In den Deichtorhallen Hamburg ist mit der Videoinstallation WE ARE IN HELL WHEN WE HURT EACH OTHER (2020) eines der bedeutendsten Werke Satterwhites zu sehen.

Satterwhite kombiniert digitale Animation, Illustration, Performance, Malerei, Bildhauerei, Fotografie, Texte und persönliche Archive zu raumgreifenden immersiven Installationen. Themen wie Konsum, Arbeit, Sinnlichkeit und Heilung durchdringen seine von futuristischen Avataren bevölkerten Landschaften, wobei oft der Körper des Künstlers selbst im Mittelpunkt steht.

Im Werk von Jacolby Satterwhite werden Zitate der westlichen Kunstgeschichte mit nicht-westlichen Ritualen und Mythen, afro-futuristischen Visionen, Zeichnungen und musikalischen Werken seiner Mutter Patricia Satterwhite verknüpft. Zudem spielen Einflüsse aus zeitgenössischem Tanz und queerer Club-Kultur in Satterwhites Videoinstallationen hinein und durchbrechen – auf kraftvolle und hoffnungsvoll stimmende Weise – Grenzen von Geschlecht und Ethnizität. Der Künstler bedient sich in seinen Arbeiten digitaler Techniken in Form von Videospielen, Motion-Capture und Animation.

Jacolby Satterwhite (geb. 1986 in Columbia, SC) lebt und arbeitet in New York. Er studierte am Maryland Institute College of Arts in Baltimore und an der University of Pennsylvania in Philadelphia. Satterwhites Arbeiten wurden in zahlreichen internationalen Museen ausgestellt, beispielsweise im Museum of Modern Art, New York, im Haus der Kunst, München, in der Whitechapel Gallery, London oder in der Fondation Louis Vuitton, Paris. Im Herbst 2023 wird er ortsspezifische Video- und Soundarbeiten in der Great Hall des Metropolitan Museum of Art in New York präsentieren.

Parallel zur Ausstellung in den Deichtorhallen werden auf Kampnagel im Zeitraum des Internationalen Sommerfestivals vom 9. - 27. August 2023 zwei weitere Werke des Künstlers gezeigt.

PERFORMANCE:
»WHAT CAN WE DO? WHAT CAN WE SAY?
WHAT WE CAN DO. WHAT WE CAN SAY.«

Im Rahmen der Eröffnung wurde die Performance »What can we do? What can we say? What we can do. What we can say.« unter künstlerischer Leitung von Litchi Ly Friedrich präsentiert. Die interdisziplinäre Künstlerin ist als Mitglied des Iconic House of Saint Laurent in der Ballroom Culture verwurzelt, aus der sich ihre Arbeit an der Schnittstelle von Tanz, Wissenschaft und gemeinschaftlicher Praxis genauso speist wie aus diasporischer Geschichte und Erzählungen.

Ihre speziell für die Eröffnung konzipierte Performance, die sie mit den fünf Tänzerinnen Gifty Lartey, Black Pearl de Almeida, Anh Khoa Trần, Sahra.Zaniah und Tinou sowie Vocal Artist und Music Producer Kameron Locke präsentierte, ist eine Antwort auf Jacolby Satterwhites WE ARE IN HELL WHEN WE HURT EACH OTHER. Hier greift sie Elemente des Barocks, der Ballroom Culture und Kämpfe von queeren Aktivistinnen und Künstlerinnen of Color auf und spielt so mit dem utopischen Potenzial Satterwhites digitaler Welten.

In der Performance wurden Textausschnitte des Combahee River Collective Statement zitiert, die von Sophie Hatsters and Cristiana Angelescu gesprochen wurden. Musik Mastering von Tobias Purfürst.

Hyphen-Labs ist ein im Äther beheimatetes Design-Duo, das von Ece Tankal und Carmen Aguilar y Wedge geleitet wird und Absurditäten, Fantasien und Zufälle an der Schnittstelle von Technologie, Kunst, Wissenschaft und Zukunft erforscht. Auf dem Weg zwischen dem Tiefgründigen und dem Absurden bieten ihre Arbeiten Überlegungen zu den Beziehungen zwischen digitalen Plattformen und der physischen Welt und dazu, wie Kunst als Instrument der Intervention und Immersion eingesetzt werden kann.

Mit ihrem Hintergrund in Architektur und Ingenieurwesen nutzen Ece und Carmen neue Technologien nicht nur als Werkzeuge, sondern als gesellschaftliche Apparate, um unsere Spezies auf alternative Weise zu organisieren und die Grenzen von Materialität und Vorstellungskraft zu überarbeiten.

Hyphen-Labs leben und arbeiten in London, Vancouver und San Francisco.

www.hyphen-labs.com

Das Projekt "I(will) destroy(ed) you...to protect you" von Liva Dudareva untersucht die Verflechtungen zwischen der Entstehung der Ökosystem-Ökologie und den zwischen 1945 und 1992 in den USA durchgeführten Atomwaffentests. Ziel des Projektes ist es, Diskussion über künftige Ökologien zu eröffnen. Die systemische Ökologie ist eine Wissenschaft, die das Ökosystem als Ganzes betrachtet und die Prozesse und Beziehungen zwischen seinen lebenden und nicht lebenden Teilen erforscht.

Der Pionier der Ökosystem-Ökologie , Eugene P. Odum, wurde von der Atomenergiekommission beauftragt, die Umweltauswirkungen des radioaktiven Niederschlags zu untersuchen. Mit Hilfe radioaktiver Isotope, von denen einige in der Natur neu und daher leicht nachweisbar waren, konnte er verschiedene Prozesse erforschen, die für das Überleben von Ökosystemen unerlässlich sind, z. B. Energie- und Stoffströme. Er griff auf die damals modernsten Konzepte der Kybernetik, der Systemtheorie und der Computermodellierung zurück, um die Theorie der Ökosystemökologie zu entwickeln.

Liva Dudareva ist daran interessiert, wie wir die spezifischen mineralischen Beispiele und die größere Erzählung der Systemischen Ökologie, die bei der Atomenergie-Kommission (USA) entstand, und die irreparablen Folgen der Atomtests in der Luft auf jeden einzelnen organischen und anorganischen Körper, der diesen Planeten bewohnt, nutzen können, um über die Zukunft lebender Systeme nachzudenken.

Ein digitaler Atlas mit Karten, auf denen die Gebiete der radioaktiven Niederschläge den Grenzen indigener Gebiete, Ökosysteme, Klimazonen, Verwerfungslinien, Wirtschaftsindikatoren und neuen fiktiven Grenzen gegenübergestellt sind, dient als Prolog zu "I(will) destroy(ed) you...to protect you". Ausgehend von der Frage, wie, von wem und für wen Grenzen konstruiert werden, wird der Atlas die von Menschen gezogenen Grenzen zwischen verschiedenen Gebieten in Frage stellen.

Entlang des Atlasses wird eine Reihe digitaler und keramischer Skulpturen spezifische geologische Schöpfungen von Atomtests und ihre sozioökonomische, politische und kulturelle Bedeutung herausstellen, die eine Vorstellung von zukünftigen Ökosysteme der Erde ermöglichen.

Morris wird über die Zukunft der Interaktion zwischen Mensch und Computer spekulieren, wobei sie sich darauf konzentriert, Identitäten in den Mittelpunkt zu stellen, die in der Geschichte der Technologie an den Rand gedrängt wurden. Dabei bringt sie spielerische Elemente wie Satire, Publikumsbeteiligung und Gaming-Kultur zurück in den rationalisierten Bereich von Design und Technologie.

Jazmin Morris‘ Projekt „Don‘t touch my hardware“ ist eine Erkundung der Grenzen zwischen Software, Hardware und dem Körper. Da modernes Produktdesign immer minimalistischer und stromlinienförmiger wird, zollt dieses Projekt den Barbie-Fernsehern und Hot Wheels-Computern der 90er-Jahre Tribut und stellt kreativ die Frage, wie Hardware unsere Beziehung zu moderner Technologie verbessern kann.

Für ihr Projekt lässt sich Morris von alternativen Game-Controllern und Hardware beeinflussen und wird die Grenzen zwischen Game-Design, Produkt-Design und Web-Design verwischen. Die Begriffe „De-growtth“ und „Protopia“ standen in den letzten Jahren im Mittelpunkt von Morris‘ Forschung. Dieses Projekt wird die Frage aufwerfen, wie wir aus bestehendem Wissen und Technologien neue Ideen generieren können und erforschen, wie Hardware dabei helfen kann, eine bessere oder zumindest spielerischere Zukunft zu entwickeln.

Weitere Informationen in Kürze.

POCAS (POCAS Organización Cooperativa de Auto-Servicio) von Pablo Somonte Ruano ist ein fiktives Ladengeschäft, das sich die Merkmale des viralen Modells der Selbstbedienungsläden (7-Eleven, OXXO, Extra) zu eigen macht, die unaufhaltsam in Mexiko-Stadt entstehen.

POCAS unterläuft die kapitalistisch-neoliberale Logik dieser Selbstbedienungsläden mit mutualistischer Logik und entwirft so eine neue Form eines postkapitalistischen Ladengeschäfts. POCAS lässt sich dabei von den Commons, der Gegenökonomie, dem Agorismus, dem Plattform-Kooperativismus und der Kybernetik inspirieren.

Ein POCAS-Laden würde Formen wirtschaftlicher Aktivitäten von Mensch-zu-Mensch in einem Umfeld ermöglichen, das von seinen Mitgliedern selbst verwaltet wird und ihnen kollektiv gehört. Das Ziel von POCAS ist es, grundlegende Güter wie Wasser, Lebensmittel, Kleidung, Hygieneartikel und einfache Medikamente zu dekommodifizieren, so dass die Mitglieder eines POCAS sich gegenseitig damit versorgen können.

POCAS kann aber auch wie ein Beschleuniger für genossenschaftliche Unternehmen, ein Ort für Gemeinschaften zur gemeinsamen Nutzung von Infrastruktur und ein Raum für soziale Koordination fungieren.

Obwohl POCAS Spekulation ist, sind seine Komponenten keineswegs fiktiv. Die Fiktion dient lediglich dazu, eine mögliche Konfiguration von Technologien und Praktiken zu beschreiben, die heute bereits existieren. Das Ergebnis des Projekts wird eine Website sein, die die Funktionsweise eines POCAS-Ladens anhand verschiedener digitaler Artefakte wie Diagramme, 3D-Modelle, Bilder und einer Reihe von Interviews darstellt.

Darsha Hewitts (*1982, Kanada) künstlerische Praxis ist in den Bereichen Neue Medien und Sound angesiedelt und entwickelt sich größtenteils aus materialbasierten Experimenten mit veralteter Technologie. Hewitt schafft elektro-mechanische Installationen, selbstgebaute Elektronik, Video, Zeichnung und Fotografie.

Ihre Praxis verfolgt einen abenteuerlichen, praktischen und medienarchäologischen Ansatz, bei dem verborgene Systeme in der Technologie als Mittel zum Aufspüren der in der westlichen Kultur eingebetteten Strukturen von Ökonomie, Macht und Kontrolle de-/re-mystifiziert werden. In ihrer dekonstruierten Form legt die von der Gesellschaft weggeworfene Alltagstechnologie auf verblüffende Art und Weise offen, wie Menschen miteinander umgehen und wie wir uns mit Ökologie auseinandersetzen.

Ihre Arbeiten werden international ausgestellt, zuletzt in der Hong Kong City Hall, Halle14 – Centre for Contemporary Art, MU Artspace, The Museum of Art and Design New York, Hartware MedienKunstverein, Gaitée Lyrique, Ottawa Art Gallery, Modern Art Oxford, The CTM Festival Berlin und WRO Media Art Biennale. In Deutschland erhielt sie ein internationales Produktionsstipendium des Edith-Russ-Hauses für Medienkunst und war Stipendiatin des Berlin Centre for Advanced Studies in Arts and Sciences an der Universität der Künste in Berlin.

Neben ihrer künstlerischen Praxis lehrte sie als Gastprofessorin für Neue Medien im Fachbereich Visuelle Kommunikation an der Kunsthochschule Kassel und für Neue Medien/Sound an der Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe. Ihre Beiträge zur Do-it-yourself-Technologie-Community sind international anerkannt – ihre Workshops und Anleitungsvideos wurden von technischen Foren wie dem Chaos Computer Congress und dem Make: Magazine vorgestellt.

Darsha Hewitt lebt und arbeitet in Berlin.

»Kunst kann die Stopptaste drücken«

Darsha Hewitt im Interview im Online-Magazin HALLE4 der Deichtorhallen Hamburg

Pseudo-holografische Installation, Website, digitale Animationsbibliothek

Body Presents ist eine online Bibliothek von Ganzkörper-Motion-Capture-Animationen von und mit Nadja Buttendorf, die alternative Designs für digitale Körper in virtuellen Welten anbietet. Die Animationen können kostenlos heruntergeladen werden und urheberrechtsfrei für die eigenen 3D-Projekte verwendet werden.

Motion Capture ist ein Verfahren, bei dem Körperbewegungen digital und dreidimensional gespeichert werden. Die Bewegungen können in Echtzeit auf einen digitalen Avatar übertragen werden. In den meisten Fällen werden die Bewegungen von professionellen Tänzer:innen und Performer:innen aufgezeichnet, die sich besonders gut und ausdrucksstark bewegen können.

Aber was passiert, wenn Körper sich nur minimal bewegen und auf der Couch rumliegen oder depressiv sind? In Nadjas' Arbeit geht es um die unterschiedliche Bewertung von Körperpositionen in einer ökonomisch orientierten Klassengesellschaft. Einerseits verbringen viele Menschen einen Großteil ihrer Arbeitszeit sitzend vor dem Computer, andererseits wird der herumliegende Körper weniger wertgeschätzt.

Auch im Hinblick auf das Einkommen werden die Positionen unterschiedlich bewertet: während eine reiche Person als cool gelesen wird, wenn sie rumliegt, wird eine arme Person als faul bezeichnet.

https://bodypresents.nadjabuttendorf.com/

Mit seinem Projekt wird Olsen einen besonderen Fokus auf ein Mensch-Maschine-Verhältnis legen, das mit der künstlichen Intelligenz (KI) einhergeht. Dies baut auf Technikprophetie, Datenreligion oder Informationsmonismus auf und ist mit einem Streben nach Kontrolle und einer vollständigen Verfügungsgewalt über den Menschen und letzten Endes dem Tod verbunden. Die Protagonisten der computertechnischen Immortalisierung richten alles auf das technische Paradis der Zukunft. In der Gegenwart haben sie zumindest ein Standbein in der IT-Branche und Bereichen, die der KI zugeordnet werden.

Wer kennt es nicht, vor Abflug in der Duty Free Zone noch schnell die letzten nötigen Besorgungen machen oder sich einfach nur der Angebotspalette flanierend hingeben. In diesem Fall befinden wir uns jedoch auf dem Weg zum „Teleport“ zur Unsterblichkeit. Das hier angebotene soll uns einen Vorgeschmack auf das technische Paradies der Zukunft geben, dass sich dahinter verbirgt: „Mind Uploads“, „Cryonics“, „Whole Brain Emulation“ sowie der Aufstieg ins algorithmische Schlaraffenland sind Teil der Angebotspalette.

Fasziniert von Fragen ‚Wie sich menschliches Erleben in Speichermedien abbilden und für immer aufbewahren lässt?‘ oder ‚Wie lebt es sich in der Unsterblichkeit?‘ ist das Ziel von Olsens Arbeit, einen Vorgeschmack davon zu geben was danach kommt. So sind z. B. Gerüche eines der Dinge, die derzeit schwer in digitalen Medien abzubilden, zu speichern oder beim „upload“ zu bewahren sind. Olsen plant die Unsterblichkeitsfantasien der Protagonisten weiter zu recherchieren und durch eine humoristische Herangehensweise die darin auftretenden Denkfiguren an den Füssen zu kitzeln.

Taming of Chance